sábado, 9 de marzo de 2024

TODOS SOMOS EXTRAÑOS de Andrew Haigh

 PURO SENTIMIENTO

Interpretada por dos excelentes actores ingleses, Andrew Scott y Paul Mescal en los roles principales de  Adam y Harry, respectivamente, se destaca el estreno de esta semana cuyo tema central son los sentimientos, particularmente los de padres e hijos, haciendo foco en los de culpa y de expiación.

Ambos personajes son vecinos de un mismo edificio de departamentos cercano al centro de Londres. Son jóvenes, han pasado los 25 años y se conocen en un viaje en ascensor. Con el correr del tiempo, los mencionados vecinos se enamoran uno del otro, pero en el caso de Andrew, su homosexualidad se manifiesta de manera más abierta con esos sentimientos.

En los dos personajes hay una apertura, más pronunciada en Adam que en su amante. Es un sentimiento de falta que lo preocupa y  lo lleva a  recordar el pasado, sobre todo al de  sus respectivos padres, en particular su madre, y a la ciudad suburbana donde ellos vivían y donde él vivió su infancia, lo cual recuerda tal como estaban el día de su muerte, 30 años antes.

Adam es también un adolescente tardío que todavía extraña a sus padres, a quienes evoca continuamente en las decisiones que toma. Es un hombre en soledad que nunca ha abandonado la adolescencia y vive extrañándolos. Ahora está tomando una decisión y en consecuencia, los necesita. Necesita ese apoyo. Le falta confianza en si mismo.

Se trata de un film sobre los sentimientos, cerrado, asfixiante, donde el protagonista nunca termina de cortar el cordón umbilical, especialmente con su madre, más que con su padre. Su personaje transmite angustia y soledad. Parece siempre un joven que debe pedir permiso a sus padres para hacer lo que debe hacer. Evoca la reflexión, incluso la disciplina, y también el amor por sus padres, la casa de su niñez, lo que representa una especie de espacio de duelo inacabado, de lo cual rescata los besos, como una forma ancestral de demostrar el cariño que en la vertiginosidad que vivimos parece ser olvidada.

Sin duda, es una de las mejores películas vistas este año. Transmite con elementos muy cinematográficos, llámese actuación, acompañamiento musical y sobre todo, la fotografía magistral  de Jamie D. Ransay que muestra una Londres típica siempre grisácea y húmeda,  que da justo con la ambientación que requiere una historia sobre alguien que necesita conectarse con el pasado como para pedir permiso sobre lo que está haciendo en el presente.

En síntesis, es una película que evoca el amor por la familia, y profundiza sobre los traumas que se arrastran desde la adolescencia, la necesidad de perdonar, y las secuelas que perduran y molestan más tarde, incluso en la adultez. Los rubros técnicos, particularmente la fotografía de Jamie D. Ramsay y la edición de Jonathan Alberts son también excelentes y coadyuvan a constituir esta obra en una de las mejores películas vistas este año.

 

PD. La obra podría rápidamente transformarse en obra teatral.


jueves, 29 de febrero de 2024

PLAN DE RETIRO de Tim Brown

UN PASATIEMPO SIN PRETENCIONES

Los años no pasan en vano. Nicolás Cage ya ha entrado en las puertas de la ancianidad hollywoodense y trata de construir un personaje que por un lado muestra ansias de aventura y por otro, refleja los años que lleva en la pantalla.

Matt es un ex marine y es un hombre fogueado con las armas. Ahora vive tranquilo en las Islas Caimán. Su hija en la ficción está pasando un mal momento. Su novio ha cometido un error y se encuentra a merced de una mafia después de haber robado información confidencial a esa banda.

El film es una clásica comedia de  hechos donde prevalece más la acción que la comedia. Pero a medida que avanza comienza a perder fuerza y se sumerge en una serie de traiciones y deslealtades llegando a un desenlace dramático que desvirtúa el espíritu de comedia. Lo que al principio parece una reunión familiar, de pronto se transforma en una serie de engaños que ponen en peligro las vidas de los personajes.

La intriga se concentra en la figura de su padre y la complejidad de su enigmático pasado. Cuando Ashley lo investiga, descubre que no conoce demasiado a su padre. Esto sumerge al argumento en una trama compleja que anida en la relación padre / hija, y que en verdad, no solo resulta irrelevante sino que distrae respecto del hilo argumental principal.

La cuestión es que no conocemos a Matt, un hombre que tiene una trayectoria que sin duda arrastra secretos. La película transcurre con agilidad, y en un momento clave, la hija se da cuenta que su padre es un ser que ella desconoce. Lo oculto de ese hombre vuelve a la película más compleja y la relación entre padre e hija se transforma en el centro de la cuestión, y el film en uno de suspenso.

Cuestión aparte, la película es que esta doblada al castellano y en consecuencia no podemos escuchar la voz real de los actores. Una verdadera pena. Ni siquiera el cine avisa al espectador, y debemos aguantar los doblajes sin comerla ni beberla. Así de mal está el cine.

También vale la pena destacar es que la película está planteada como una comedia familiar que sorprendentemente se sumerge en el thriller. Eso la vuelve ambivalente porque nunca se termina de definir dentro de un género, quedando en el camino como sin decidirse, a la deriva.

No obstante estos cuestionamientos, el film deja verse y entretiene con su trama, dando a Cage una oportunidad de lucimiento que el actor, sin duda, aprovecha. Bien filmada, con una agradable fotografía, buena música y un ritmo adecuado, sale a flote sin desentonar en un contexto en el que no hay muchos estrenos.

martes, 27 de febrero de 2024

BOB MARLEY, LA LEYENDA

UNA BIOPIC MÁS

Si te gusta la música y el canto de Marley, la película es un entretenimiento musical que se puede ver sin bostezos. Pero… no quieras ir mucho más lejos porque el film no da para más.

Hilvanada por cuadros musicales tipo enlatados en forma de video clips que supone hacen un repaso de sus mayores éxitos musicales, la película deja verse, es agradable, mantiene su ritmo aunque repite una y otra vez su fórmula que básicamente se basa en un formato que lejos de lo cinematográfico encuentra raíces en lo televisivo, y la vuelve algo reiterativa, como si le costara mantener un hilo narrativo, en consecuencia, se repite continuamente como si se tratara a de una tanda de video clips.

Kinsley Ben-Adir interpreta del principal papel y es muy convincente en su actuación transformándose en por un lado, en el cantante ídolo de una música romántica y popular, y por otro, un activista político capaz de levantar a un pueblo subyugado, cuyo objetivo principal es otorgarle su libertad.

Víctima de un atentado contra su vida, lejos del odio y las represalias, generó un albún que se transformó en el éxito comercial más grande de su época. Las letras de sus canciones, su pertenencia y accionar político en pro de la libertad de su pueblo, y sobretodo el hecho cultural del que se hizo cargo, lo transformó en no solo en un hecho popular en sí mismo, sino sobre todo en una persona sumamente importante para su pueblo que los seguía a su vez, tanto como cantante y también como líder político de su país.

Más allá de la simpatía que expresa y la belleza de sus canciones que conocemos de antemano, el film resulta cinematográficamente poco profundo temáticamente y pobre cinematográficamente como homenaje a un músico popular que fue mucho más que eso, un verdadero ídolo musical de una época.

En síntesis, “Bob Marley”, la película, es un film menor que no genera grandes aportes al género musical. No obstante, nos revive la vida de un cantante que el tiempo ha transformado en leyenda. La película nos revive una música inolvidable pero desde un punto estrictamente cinematográfico quedan en deuda por el poco vuelo que le impusieron sus productores. En pocas palabras, hay poco cine y mucho video clip.  Una lástima. Podría haber descubierto algunas otras aristas de su vida o su carrera artística, o ser contada de forma más atractiva, menos convencional.

domingo, 18 de febrero de 2024

ZONA DE INTERES de Jonathan Glazer

DE ESO NO SE HABLA

Sin lugar a dudas es un de las mejores películas del año, no solo por su factura sino fundamentalmente, por lo que revive y la forma en que lo expresa, lejos de cualquier amaneramiento cinematográfico moderno, sino por la discreción con que lo trata.

Si bien la temporada comenzó floja de estrenos, claramente escondió una estrategia comercial que, ante la caída de público, dejó lugar a una espera que permitiera al público volver al cine después de vacaciones y en consecuencia, poner en cartelera películas que sin duda son muy interesantes.

Zona de… se mete de lleno en un tema complicado, va para atrás en la historia y nos  llena de un cine con mayúsculas. El director Glazer no da pistas. Concentra la película en una hermosa casa donde todo transcurre glamorosamente. Simplemente muestra la vida de una familia acomodada en un día donde nada parece ocurrir.

El film es de una perfección que solo el cine alemán parece realizar hoy en día. La hermosura formal de la propuesta deja que el espectador se deje llevar sin mayores sobresaltos. Todo parece indicar que la película es una obra clásica que simplemente describe una época. Pero el preciosismo formal es un envase de lujo que encierra el peor horror.

¿Quien habita esa casa lujosa, alejada del ruido en medio de la foresta? No diremos la respuesta. Solo enfatizamos en su calidad de cine, ese cine que expresa por sí mismo, utilizando las palabras adecuadas y sobre todo, mostrando mediante imágenes más que por palabras los hechos determinantes de la historia que narra.

Si vamos por el cine en sí mismo, el film es un ejemplo  de la capacidad narrativa y de poder expresar una idea sin necesidad de asustar el espectador. Es que estamos ante un film de horror donde el miedo es expresado de la forma más contundente y a su vez, más alejada de las convencionalidades del género.

Durante la película, el espectador puede preguntarse sobre qué tema o genero desarrolla la misma, pero pocas veces el espectador se encuentra con una sorpresa semejante como la que desarrolla esta verdadera obra maestra del alemán Jonathan Glazer.

Film muy recomendable, entretenido  y desarrollado en forma de comedia  que termina con un inesperado final de gran impacto visual.

Todos los rubros técnicos son excelentes y la película destaca como una obra de madurez creativa, no solamente bien narrada  y mejor resuelta sino también en sus diversos rubros técnicos como actuación,  música y fotografía, todas de un nivel excelente.

 

FERRARI de Michael Mann

 

SOLO PARA FANÁTICOS

Michael Mann es un productor y director muy prolífico y conocido. Su cine es contundente, ha transitado diversos géneros, pero sobre todo se ha ubicado en las películas de acción, algunas de ellas han generado historia.  No obstante, su película más famosa y ganadora de un Oscar es un drama (The Insider), interpretada por un Al Pacino inolvidable en el papel de un periodista que descubre que empresas tabacaleras incentivan el consumo de cigarrillos vía  sustancias adictivas que generan un mayor venta.

Ferrari, la película, está lejos en el tiempo y sobre todo, de la denuncia social. Por el contrario, se trata de un gran homenaje a un hombre, un italiano llamado Enzo Ferrari, que no solo fue capaz  de levantar un emporio automovilístico, sino también de crear un auto accesible para el trabajador de pequeños y medianos ingresos.

No obstante, el Fiat 600 fue diseñado por Dante Giacosa, construido y vendido transformándose en un éxito de ventas por la empresa italiana Fiat, desde 1955 hasta 1969, que lo catapultó a transformarse en el auto tipo para el trabajador, dada su pequeñez y versatilidad que lo volvía inigualable en el trafico compulsivo de las grandes ciudades italianas. El auto resultaba ágil en el tránsito pesado, y fácil de estacionar por su reducido tamaño.

La película indaga principalmente en la vida personal de Enzo Ferrari,  pero sobre todo, destaca su pasión por los autos, incluyendo algunos pasajes que hubiera querido evitar como el accidente que tuvo en la Mille Miglia (la más famosa carrera italiana) en 1957, que lo dejó económicamente en ruinas. Dicha carrera se corría anualmente desde 1927 y que se abolió 30 años después a raíz de un luctuoso accidente.

Queda claro en la película que la pasión de Don Enzo era, más que diseñarlos y fabricarlos,  disfrutarlos,  manejarlos y correrlos más allá de su éxito comercial. La fábrica fue una consecuencia de una vida pasionaria.

Dado el tema automovilístico, el cual siempre ha subyugado al gran público (uno no deja de olvidar películas como Grand Prix, 1966), esta obra está lejos y resulta fría aunque no aburra, pero no logra interesar al espectador sobretodo en la cuestión de ese éxito comercial que es el centro del relato que distorsiona confundiendo la pasión por los autos con su éxito como empresario. 

jueves, 8 de febrero de 2024

EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS de Kristopher Borgli

EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS de Kristopher Borgli

EL FIN DE LOS SUEÑOS

Esta comedia de características surrealista es una película interesante que alude a la vida como un sueño permanente interpretada en una muy buena  actuación del actor americano Nicolas Cage, tal vez una de sus mejores interpretaciones en el cine.

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, director noruego con producción americana, narra la historia de Paul, un profesor (Cage), que no logra satisfacer sus objetivos en la vida. Vive dando clases pero no ha logrado realizarse cuando de repente, se da cuenta que todos los que lo rodean sueñan con él.

Al principio son algunos conocidos (una ex novia, un alumno), más tarde todos sus vecinos, afirman también haberlo visto mientras dormían. El asunto se enrarece cuando llegan noticias de que apareció en sueños de quienes ni siquiera saben quién es y se anotician del fenómeno una vez que su rostro se replica en Internet y los medios de comunicación.

Los sueños son muy distintos entre sí, pero Paul siempre aparece en un rol pasivo, como mero observador de una escena. Todos sueñan con Paul y se transforma en el hombre de los sueños. ¿Pero quién es Paul? Es un profesor universitario con el que  todos sueñan. En su mundo, la vida siempre es un sueño. Y en  la medida que la película avanza, ese ensueño comienza a tornarse una realidad. ¿Es acaso la agonía inexorable del sueño eterno?

Difícil de encasillar, aunque claramente milita en la comedia contemporánea, por momentos coquetea con el surrealismo, y en otros, en el cine del absurdo, recorriendo una veta en la que se busca un espejo donde el personaje trata de verse a sí mismo.

Lo que encuentra es diverso, particularmente, porque todo depende desde el punto de vista en que se mira. En ese sentido, el film encuentra su armonía cuando infiere que la realidad siempre es vista  desde el propio punto de cada uno, incluyendo factores tales como distancia, conocimientos, ideología, etc.

La visión de la realidad es una lectura que tiene que ver con el posicionamiento de cada persona. La información, la experiencia, la interpretación y el análisis de éstas dependen de los sentidos y del trabajo del cerebro. En función de ello, organizamos y recreamos la realidad y adquirimos conciencia por medio de la percepción.

La película de Kristoffer Borgli se enrola en una mezcla entre el surrealismo y el teatro del absurdo, y despliega una mirada sobre los usos y costumbres de una época que podríamos llamar “digital”.

Paul, notablemente interpretado por  Nicolas Cage, se vuelve creíble dando vida a ese ser humano con el que todos sueñan, un simple hombre, que tiene capacidad de soñar, y que se transforma a sí mismo, a través de la educación.

Pero la vida no es sueño sino realidad. Ese hombre que sueña y todos parecieran imitar replicando su sueño, volviéndose muy popular hasta que los sueños se vuelven en contra de él y terminan prácticamente con su vida, perdiéndolo todo, comenzando por el trabajo, y después por la familia.

Parábola sobre la sociedad moderna, aquella que genera carreras rápidas y exitosas que a los 40 años te dejan cesante y te obligan a un volver a empezar, es una comedia ágil e interesante que describe un momento social donde la falta de trabajo marca justamente el fin de los sueños.

viernes, 26 de enero de 2024

ANATOMIA DE UNA CAIDA de Justine Triet

UN SALTO AL VACIO

Estamos en los Alpes franceses. Una ventana se abre. La cámara se detiene y observa el paisaje. Después se observa el vacío. Una figura sobresale. No se sabe quién es. El cuerpo se precipita hacia abajo, pega contra el piso, y el ser humano que lo habitaba pierde la vida.

Todo es nieve a su alrededor. Estamos en la casa de Sandra, la mamá de Daniel, un niño de aproximadamente 12 años. La actividad humana en la casa parece limitarse al matrimonio quela  habita con su pequeño hijo. Alguien caerá desde una ventana de un primer piso al patio de atrás. Lo que vendrá después es una sospecha. Nadie vio nada. No hay vecinos ni testigos. Es un suicidio, un accidente o un asesinato?

El film es un clásico ejercicio de estilo. Suspenso y misterio. La policía es avisada y llega inmediatamente, pero solo se encontrará con lo que ya se sabe. ¿Es un suicidio? ¿Se trata de un asesinato? ¿Es simplemente un accidente? ¿Es, acaso, la imaginación de una escritora? Desde lo policial puede ser cualquiera de esas hipótesis, pero toda esa intriga la trama se la transfiere al espectador, lo hace responsable de encontrar una respuesta. Y en ello radica toda la inquietud que genera la película.

La casa está aislada por la altura y la nieve. No hay signos de violencia. Todo está tranquilo dominado por el paisaje blanco. Nadie vio nada. La causa será investigada pero no hay sospechas ni certezas. Comienza un juicio pero no hay pruebas. Todo serán conjeturas.

No hay pruebas de violencia física ni estados de ánimo alterados, como tampoco,  testigos. Ha muerto una persona. ¿Es simplemente una caída casual, un mareo, una pérdida del equilibrio, efectos de un remedio o una droga que ha generado un efecto contra producente? ¿Se trata de un asesinato o de un simple accidente?

La policía tampoco llega a ninguna conclusión. Qué relación había entre los tres habitantes de la casa. Acá sobrevuela la idea de la verdad como algo indescifrable, que lleva a preguntarse “¿quién lo hizo?” imposible de determinar por el camino de la lógica, algo que, lejos de lo muchas veces se piensa, tiene un altísimo componente de subjetividad.

La película es un film de suspenso que comienza por un crimen y continua por el porqué, pero lo cierto es que ningún elemento nos da una pista. Todo se basa en la creación del suspensos por el suspenso mismo, pero aparecen carencias, comenzando por sus personajes y terminando por las cuestiones de la relaciones establecidas entre los mismos. Todo se transforma en una incógnita.

El film s mantiene ese suspenso en forma permanente como piedra angular de un relato que no conduce a nada. El crimen nunca será resuelto por la policía, pero tampoco quedaran claras, si las hubieran, las relaciones inter familiares de los tres personajes que atravesaron la pantalla más allá de la superficial descripción de los mismos.

No obstante, atrapa desde su comienzo  mismo. En su trama no importa ni el quién, ni el cuándo, ni el porqué. La cuestión es la creación y el mantenimiento de un suspenso mayúsculo que logra atrapar al espectador sin nunca darle una respuesta más allá de aquellas elucubraciones que el propio espectador podría darse a sí mismo. Transfiere a cada uno de aquellos la obligación de encontrar una respuesta. Busca siempre su participación. Y en ese sentido, se transforma en un entretenimiento  muy interesante, obligando a cada uno continuar con su análisis más allá de la salida del cine.

lunes, 22 de enero de 2024

POBRES CRIATURAS de Giorgos Lanthimus

 

POBRES CRIATURAS de Giorgos Lanthimus

SOLO PRECIOCISMO FORMAL

El cine del griego Lanthimus es de una perfección formal notable. Su coherencia narrativa, a partir de un guion  excelente, describe el paso de la niñez a la pubertad de una niña de aproximadamente 12 años, y a la vez, muestra la extrañeza, la incapacidad del personaje de generar sentimientos sobre los demás, dejando solo la admirable puesta en escena de una película que a la postre, termina siendo fría y lejana para el espectador, dejando tan solo una idea de orfandad, alienación y carencia de identidad humana.

La búsqueda del director respecto de lograr una perfección narrativa aleja la posibilidad de empatía con el personaje, vuelve a la película fría, algo lenta, distante del espectador. Ello también es consecuencia de un guion temáticamente demasiado amplio que mezcla al mismo tiempo realismo, fantasía  y ciencia ficción, invocando hacia el final al recordado al personaje de del monstruo de Frankenstein,

Protagonizada por Emma Stone y dirigida por el griego Yorgos Lanthimus, es el segundo largometraje que este dúo han realizado juntos (el primero fue La Favorita). Se trata de una película entretenida aunque por momentos despista al espectador como si la trama hubiera perdido el rumbo. Pero ese despiste no es otro que el enceguesimiento que produce la cercanía del amor de una mujer hacia un hombre.

Basada en la novela de 1992 de Alasdair Gray, escritor escocés, mezcla de fantasía y ficción, hace recordar la historia de Frankenstein. Trata de una mujer que, tras suicidarse, es revivida por un médico hechicero. Ella parece una muñeca pero es una mujer real, alegre, curiosa y decidida. Tiene apariencia de inocencia infantil pero rápidamente exhibe su inteligencia. Pobres Criaturas es una película que no parece tener otras ambiciones que contar una historia. No obstante, es difícil de seguir.

El film es minucioso, e incluso, puede confundir al espectador. Su factura visual es notable y está trabajada en base a su montaje. Trata sobre la libertad de la mujer, su inteligencia y el manejo de su sexo. Las mujeres de este film se auto construyen, se controlan, determinan su identidad, y utilizan al hombre para conseguir su libertad.

Con una puesta en escena y una labor de montaje excelentes, es considerada como la película más subversiva del director griego, sobre todo por la idea libertaria que acepta la venta del propio cuerpo de la mujer. Alterna momentos de comicidad tradicional con grotesco, idealiza a las personas como pompas de jabón que se deslizan en el aire, e incluso, se atreve a reivindicar la prostitución como una forma de feminismo socialista, combinando tanto épocas como colores, la era victoriana con el futurismo o alternado imágenes de pollos con cabeza de cerdo.


jueves, 18 de enero de 2024

ROSE de Aurélie Saada

UNA VIDA NUEVA

Rose está de cumpleaños. Este es el número 78. Todo es jolgorio a su alrededor. Pero pocos minutos más tarde, terminará la fiesta, su familia la acompañará s soplar las velitas y todo habrá terminado. Su vida volverá a su curso normal, al orden de cada día, a la rutina acostumbrada.

Pero esta vez no será igual. Ya todos sus hijos han crecido y la han hecho abuela. Sus nietos también se han hechos grandes, y ella comienza a inquietarse, a preguntarse porque no innovar , hacer algo diferente que esperar la muerte, disfrutar de las pequeñas cosas de todos los días, simplemente algo, salir de la rutina, tratar de encontrar el placer de estar viva.

La actitud de Rose es la del cambio. Ella ha decidido creer en sí misma, no depender tanto de su familia, y darse pequeños gustos. La oportunidad, estará a la vuelta de la esquina.

El film es un dechado de optimismo. La actuación de Francois Sagan en el papel principal, aporta la ductilidad necesaria que hace recordar a su papel consagratorio de unos 50 años atrás cuando protagonizó  “Mi Noche con Maud” en 1969, dirigida por Claude Lelouch, con Jean Louis Trintignant

No obstante, reconozcamos que a Sagan la vida vuelve a sonreírle después de tantos años, obviamente por méritos propios, aprovechando un guion que parece haber sido para ella, en el retrato de una mujer mayor en el transcurso diario del día a día, donde ponemos la brújula hacia el norte para no perdernos, y tratamos de disfrutar de la vida sin molestar a nadie. El film resulta un vehículo ideal para su lucimiento personal en una época donde no ser joven te deja fuera de interés.

A los 78 años de edad, el personaje se queda solo a causa de su viudez, sus hijos se han hecho grandes, ya son padres y la han hecho abuela. Ella percibe que, ahora viuda, tiene que volver a valerse sola, sin ayuda de nadie porque los demás en la familia están todos ocupados.

Hay un último factor que no parece importante, pero sin embargo juega un rol importante. Rose es una mujer de religión judía. Es la típica idishe mame, una mujer tenaz que nunca achica, que ve la vida positivamente y sabe que si ella no se ocupa de sí misma, nadie se terminará ocupando por ella.

“Rose” es un ser que destaca por su propio brillo levantando un mensaje de optimismo y buena fe de alguien que señala un camino, no para seguirlo, sino para señalar que siempre hay un camino y no dejarse sumir en la desesperanza de  la enfermedad y la vejez.   Además, es el debut de una guionista y realizadora que destaca positivamente en este, su primer trabajo de largometraje.

martes, 16 de enero de 2024

THE BEEKEEPER de David Ayer

SENTENCIA DE MUERTE

Respondiendo a las reglas básicas de un género, en este caso el film de acción, reúne a un actor y un director que si bien nunca antes habían compartido cartel, demuestran una capacidad innata para desarrollar la comedia policial que nos ocupa.

Jason Stratham es el beekeper del título, ello es un apicultor que está gozando de su retiro. Obviamente, es un hombre formado en las fuerzas especiales, y solo espera pasarla bien cuando inesperadamente, descubre una conspiración que pone en juego la paz y a seguridad nacional. Estos guardianes son una élite que trabaja sin restricciones para proteger la sociedad en situaciones extremas de emergencia nacional.

Nuestro héroe descubrirá una conspiración contra el Estado y tendrá más remedio que ocuparse, inmiscuirse en los diversos estratos de la seguridad nacional, desbloquear los mecanismos de defensa y cumplir con su nueva misión, descubriendo una banda de facinerosos que no solo han matado gente buena sino que se la han tomado sus colaboradores y amigos.

En medio de la corrupción, aparece nuestro héroe, Adam Clay, un agente secreto interpretado por Jason Statham llamado el Beekeper, ahora un apicultor retirado al que solo le interesa cuidar sus paneles de abejas, retirado en un pueblo perdido en Oakhaven. Pero de repente, su vecina (Phylicia Rashad) aparece muerta en su casa tras haber sido víctima de una estafa por Internet.

La trama es sencilla y pasatista. Tiene coherencia y buen ritmo narrativo. Pero sorpresivamente y ante sus narices, su vecina es estafada miserablemente. Clay siente él mismo estafado y sabe que debe volver a la acción para poner las cosas en su lugar. Será justicia.

Por otro lado, Statham, película tras película, se consolida como actor, aunque sobretodo, como un héroe de film de súper acción. Y no está nada mal que eso sea así.

Todos los rubros técnicos del film son irreprochables. La película no solo deja verse sino que mantiene la atención del espectador. La fotografía es excelente, al igual que el acompañamiento musical.

lunes, 8 de enero de 2024

DOGMAN de Luc Besson

DOGMAN de Luc Besson

ROMPECABEZAS

Esta nueva película del director francés transcurre en la ciudad de Nueva York, y cuenta una historia sobre la soledad en las grandes ciudades, la de Munrow,  un peluquero de perros que se encuentra detenido por la policía, haciendo un descargo en una comisaria..

El director de Nikita y El Perfecto Asesino vuelve a desarrollar una trama simple  que complica en la sala de montaje, donde el director hace gala de su destreza narrativa provocando suspenso dentro de lo que es una comedia costumbrista que arma bajo la forma de una especie de collage en el cual destaca la actuación de Caleb Landry Jones en el rol de Douglas.

 El film se transforma en una especie de rompecabezas que se va armando de acuerdo al desarrollo de una trama  clásica de un policial. Douglas, el paseador de perros, se viste como Marilyn Monroe y anda como un lisiado en silla de ruedas. Mediante una serie de flashbacks cuenta una historia que intenta ser una alegoría sobre el ser diferente.

Alegoría sobre el ser diferente, la destreza narrativa del director francés, hace que sus figuras representativas encuentren vida. El personaje principal, vestido como mujer, busca asumir su homosexualidad y en consecuencia liberar todo tipo de ataduras pero lo que no logra Besson es realmente hacer trascender el mensaje de necesidad de libertad personal, y sobre todo, el de asumirse así mismo que encierra la criatura humana que delinea.

La construcción del film termina resultando un desafío para el espectador. Besson decide hacer gala de lucidez narrativa realizando un rompecabezas basado en un montaje milimétrico. Sin lugar a duda, logra armar un relato irreprochable que el director complica en parte innecesariamente y que en consecuencia, vuelve al film algo difícil de seguir a pesar que posee un guion cuya simpleza argumental hace que transcurra en un mismo día, y con un único protagonista.

El relato avanza de acuerdo a un interrogatorio policial que funciona mediante flashbacks que informativos respecto del enigma planteado al comienzo del film.  De esta manera, el relato se nutre de un suspenso genuino, avanzando sobre pistas que desarrollan una historia cuyo tema principal es una denuncia contra el abuso y el maltrato hacia todos aquellos que pueden ser vistos como diferentes.

El film no tiene nada que ver con el de Matteo Garrone visto en 2018. No obstante, hace recordar a El Vengador Anónimo, el exitoso film que dio fama a Charles Bronson, un hombre que siempre estaba en el lugar adecuado para ayudar a débiles, y hacer justicia por mano propia. No obstante, no deja de ser una obra  muy personal e interesante del director francés.


miércoles, 3 de enero de 2024

LAS 12 MEJORES PELICULAS DE 2023

LAS 12 MEJORES PELICULAS DE 2023

 1. NAPOLEON de Ridley Scott

2. HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

3. LO QUE NO VEMOS de Ayse Polet

4. PUÁN de Mara Alche y Benjamin Naishtah

5. LOS ASESINOS DE LA LUNA de Martin Scorsese

6. MILAGRO de Bogdan Apetri

7. EXTRAÑA FORMA DE VIDA de Pedro Amodovar

8. CIELO ROJO de Christian Petzold

9. THE QUIET GIRL de Colm Baireád

10. LOS HIJOS DE LOS OTROS de Revecca Zlotowski

11. OPENHEIMER de Christopher Nolan

12. LOS ESPIRTITU DE LA ISLA de Martin Mc Donagh

domingo, 31 de diciembre de 2023

PRISCILLA de Sofía Coppola

¿DÓNDE ESTÁS?

El éxito de “Elvis”, la película que el año pasado ha vuelto a recordar al gran cantante que marco toda una época con baladas muy inspiradas durante la posguerra, ha generado una secuela, esta vez focalizada en la vida de su esposa.

Priscilla tenía 14 años cuando conoció a Prestley. Se casó con él en 1967, el matrimonio tuvo solo una hija, y solo duró 5 años, al fin de los cuales, se  separan en 1972, pare divorciarse definitivamente 1973.

La película se concentra en la vida de la mujer del ídolo, en la gran  soledad que siente cuando él emprende sus giras artísticas y comienza a pasar largo tiempo fuera de su casa.

La diferencia de edad entre los componentes de la pareja y sobre todo la cantidad de ausencias  hogareñas son también generadas como consecuencia de su momento de fama e idolatría, provocando una distancia adicional que con el tiempo comienza a desgastar la relación tanto íntima como de pareja y termina en el divorcio de ellos.

El film se focaliza en aquellos momentos de soledad en los que Priscilla se siente lejos de su marido, lo cual desgasta el matrimonio, pero sobre todo genera una soledad que no soporta la idolatría de la pareja al vivir solitaria por los largos periodos de tiempo que insumen dichas giras.

Algo repetitiva, a medida que pasan los minutos, comienza también a desgastar la paciencia del espectador dado que nada es peor que el aburrimiento que soporta Priscilla, la cual pasa largas horas en la cama simplemente acostada mirando el techo o dándose vueltas en la cama.

Si bien la película funciona como un caso clínico sobre la incomunicación y la depresión de la mujer de un hombre exitoso, lo cierto es que para la mayoría del público, el film es rechazado dado que no entretiene demasiado, mostrando solo las consecuencias de la vida en soledad, donde no se encuentra un equilibrio entre vida artística y privada.

No obstante ello, hay por parte de Sofía Coppola, una intención positiva de reflejar la vida tal como una pesadilla en medio del éxito, una especie de infierno que lleva a sentir un mayor aislamiento

La actuación de Cailee Spaeny es sobresaliente toda vez que transmite su angustia y desesperación ante la tristeza que despierta el éxito de su novio. La película está basada en esa melancolía, por lo tanto, poco puede agregarse del resto del elenco. Asimismo es excelente la fotografía llena de claroscuros que subrayan el sufrimiento de la protagonista.

La película refleja indirectamente el costo de la vida exitosa de un ídolo. Está bien hecha, es interesante, algo repetitiva pero sobre todas las cosas es creíble, dibuja acertada y despiadadamente la otra cara del éxito, aquella que no se paga en dólares sino con la perdida de los sentimientos más íntimos 

sábado, 30 de diciembre de 2023

EL REY DE LA COMEDIA de Mario Martone

HOMENAJE AL TEATRO ITALIANO

Esta película está emparentada con Extrañeza, vista unos meses atrás durante este mismo año, donde se narraban los primeros pasos teatrales de Luigi Pirandello en su vuelta a Sicilia. Aquí se homenajea los comienzos de un actor muy popular del teatro en Italia, llamado Eduardo Scarpetta.

Toni Servillo (La mano de Dios) interpreta a un personaje popular llamado Felice Sciosciammocca, para mostrarlo entre forzados aplausos y carcajadas como la figura más importante de la comedia napolitana de principios del siglo pasado.

Este actor, interpretado por Toni Servillo, se hizo famoso actuando, pero también fue una figura pública conocida y querida por el público. Fue un mujeriego empedernido, tuvo varias mujeres con las cuales convivió siendo padre de varios hijos, de los cuales siempre se hizo cargo.

En su repertorio predomina la comedia de costumbres y particularmente, la farsa. El comediante tuvo tres familias: la de su esposa Rosa y sus hijos, la que constituyó paralelamente con la hermana de su pareja y la de su sobrina, más tarde, embarazada.

El director realiza un fresco de época utilizando el color con una iluminación que parece en blanco y negro, resalta lo nocturna, dando vida a un bohemio total. El film resalta la dualidad de la vida de un artista donde los deberes paternales cuestan encontrar un equilibrio entre la vida familiar y la vida de un artista.

Felice no tiene trato preferencial por nadie, todos lo reconocen como un genio y están dispuestos a formar parte tanto de su vida cotidiana como de su profesión artística. Él Ignora la moral  tanto como sus problemas legales.

Martone, director también de Extrañeza (2022), subraya el ser italiano haciendo que sus actores destaquen la gestualidad. Aprovecha a la Justicia para tomar partido en la tensión entre el prestigio y la popularidad, llevando hacia delante una reflexión sobre la libertad de expresión y los derechos del autor.

El film resulta una biografía nada convencional  y los alegatos judiciales del final dejan sin posibilidad de discusión dado el carácter cinematográfico de la obra que impone al ámbito legal como escenario  de un alegato que no es más que otro simple monologo.

Esta obra, como Extrañeza, también vista a mediados de este año, constituyen una dupla de películas italianas valiosas que no deben ser ignoradas dado que constituyen dos propuestas interesantes tanto en lo temático como en lo formal, y dan lugar a que sigamos recuperando lo mejor del cine italiano, aquel cine que brilló bajo el lema de “neorrealismo”. Tanto ese como estas dos nuevas películas recientemente estrenadas, constituyen una tendencia muy positiva constituyendo un cine que no solo refleja una realidad sino también posiciones estéticas que bordean una singular mirada hacia la realidad..

viernes, 22 de diciembre de 2023

 VENGANZA SILENCIOSA de John Woo

LA JUSTICIA PROPIA

La justicia es la satisfacción que se toma del agravio o daño recibidos. Los países organizados creen en ella. Es uno de los poderes del Estado, ello es el poder Judicial, el cual garantiza el derecho de igualdad de los habitantes de un país.

Pero existen otras miradas, no regidas por la ley sino por los sentimientos, que consideran que el agraviado pudo haber sido lastimado en lo más íntimo, en lo más querido, y en consecuencia, la legalidad no responde al sentimiento de justicia que recibe el ofendido.

Ello genera una necesidad de justicia particular, fuera de los órganos legales, que se materializa comúnmente por el denominado uso de la mano propia. A esa manera de justicia, se le llama venganza.

John Woo, el afamado director chino de súper acción, hongkonés para ser exactos, está de vuelta con este film simple y riguroso, moderno, entretenido, un trabajo de montaje armado en una moviola, es una película que adquiere ritmo hecha corte tras corte, avance por avance, que narra una simple venganza que encierra la necesidad de hacer justicia por mano propia.

Es que no toda ofensa puede ser perdonada. La víctima de una agresión a veces, no sobrevive a la misma. Sus consecuencias son absolutamente personales, singulares.

Para poder dar paz a su vida un hombre busca venganza. A ese  alguien le han quitado lo más querido, es decir un hijo de tres años, el cual ha sido alcanzado por una bala perdida en medio de una balacera entre patotas.

La película toda se concentra en esa noche de venganza, que después de haber velado a su hijo, el hombre sale desesperado a buscar en las calles desiertas aquellos delincuentes que le han quitado la vida. La desesperación de ese hombre no tiene límites. Su decisión es vengarse. Vaga por horas durante toda la noche en la búsqueda del asesino. Hasta que por fin da con ellos.

El film huele a una de las primeras obras de Bronson, tales como  El Vengador Nocturno, en versión actualizada. En manos del maestro  hongkonés, el film se transforma en un ejercicio de estilo de un cine muy moderno que hace brillar a un policial resuelto en una moviola, donde el montaje adquiere rápidamente velocidad determinando el ritmo de la película.

El género policial se ve agradecido dado que el film adquiere un ritmo frenético que retiene al espectador en su butaca, obvia el minimalismo de la propuesta, rescata el sentido de entretenimiento, la acción no para nunca y el espectador sale del cine satisfecho porque acaba de ver un film de un gran maestro, aunque intuya el resultado desde el principio.

lunes, 18 de diciembre de 2023

NAPOLEON de Ridley Scott

VIDA Y OBRA

Se hace muy difícil llegar a una conclusión sobre la película de un experimentado director inglés que además ha elegido un tema histórico y conocido por todos para desarrollar una biografía en términos cinematográficos.

No obstante, puedo decir que salgo del cine satisfecho, Lo que he visto no solo me ha interesado, sobre  todo formalmente, dado que Scott se ciñe a la historia y relata sintética y respetuosamente cada una de las vicisitudes de la vida del corso francés, describiendo metódicamente su carrera militar, su tardío casamiento, el nacimiento de su hijo, su vejez y finalmente su muerte.

El film está construido desde el punto de vista biográfico que alberga toda la vida de un hombre común que ha nacido con un destino algo más interesante que cualquier otro simple ser. Desde sus primeros pasos en el ejército hasta su muerte, con el paso del tiempo se transforma en un prócer histórico cuyas concepciones de la vida darán lugar a cambios sociales y políticos. El film está construido al compás de hechos tales como la Revolución Francesa. Se muestra a Napoleón  ocupando diversos puestos revolucionarios y militares que generarán no solo cambios culturales, sino también sociales y políticos, con reformas liberales que perduran hasta hoy en día.

Scott abarca la vida entera del héroe a través de pequeñas y significativas escenas que ilustran la vida del corso francés. Este hombre pareció tenerlo todo. Tempranamente se inició en el Liceo Militar, escaló todas las posiciones,  adquirió relevancia política, se transformó en un líder militar, manejó la República Francesa, y no obstante esos logros, fracasó en su matrimonio con una mujer que lo engañaba.

Más allá de sus casi tres horas de duración, y el conocimiento previo de la hechos conocidos enseñados en las horas de historia de nuestras escuelas, la película no solo deja verse sino que interesa y engancha al espectador, dado que el enfoque de esa vida es de una presencia constante, que abraza los diversos matices de su larga vida. Es allí donde el director encuentra al Gran Corso con una imagen que siempre está narrando una peripecia de su existencia.

Director y actor, ambos consagrados, han encontrado una fórmula perfecta donde prepondera la síntesis, logrando narrar en tres horas de película toda la vida de un hombre clave en la historia del mundo, y a la vez, radiografiar la obra contundente de un figura histórica que ha sido clave, acompañado también por un director de fotografía que hace recordar algunos cuadros de Monet.

Tal como el pintor, la película no pretende  ser una narración sino repasar una serie de grandes momentos de la historia, tratando de encontrar y retratar la vida de Napoleón. Se trata de una buena e interesante película de un director inglés siempre efectivo que entre otras, ha realizado films hoy clásicos  como Alien (1979), y Blade Runner (1982), y ha sido ganador de un Oscar  con Gladiador (2000),). Si de algo no tenemos duda es que Ridley Scott es un gran narrador, y su capacidad de síntesis es formidable.

sábado, 9 de diciembre de 2023

HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

SENSIBILIDAD  Y SENTIMIENTO

Es un film sobre el encuentro y la sensibilidad que provoca el amor. Es también un film único, muy fuera de época, que causa una sensación extraña que nos lleva hacia el prójimo, a compartir, a ayudar al otro, dejándonos satisfechos y contentos, provocándonos ser, esencialmente, mejores personas.

La película es el simple encuentro de dos “perdedores”, un hombre y una mujer, dos soledades que terminan uniéndose para encontrar el amor. La acción transcurre en Helsinski.  Ella se llama Ansa. Es soltera y vive en ese lugar. Trabaja por horas durante las noches en un supermercado donde abastece estanterías de mercaderías. Como su sueldo no alcanza, también separa basura recuperando plástico reciclable. El tema es toda una alusión sobre la posibilidad de reciclarse, es decir, de volver a tener una segunda oportunidad. El tema alude a la recuperación de una vida después de una profunda caída, de un desencanto.

La narración comienza una noche, cuando casualmente, una mujer se encuentra con un hombre. Su nombre es Holapa. Él es bueno y solitario, un trabajador que sufre un vicio. Es un alcohólico que bebe para olvidar penas.

Ansa y Holapa se conocerán y comenzaran a salir juntos. Con el tiempo construirán una pareja desbalanceada por el vicio que en manos de Kaurismaki se torna una epopeya existencialista sobre la vida de dos fracasados.

El director finlandés se inspira en el cine del americano Jim Jarrmusch, uno de los más cabales constructores de films independientes, un hombre joven alejado de los estudios de Hollywood que comienza a destacarse en 1984 con una película iniciática llamada “Extraños en el Paraíso”.  Esta obra contenia enormes influencias del neorrealismo italiano, pero sobre todo de aquellos directores japoneses, como Imamura, Ozu, y Mizoguchi.

Con un tono realista e intimista, el film desarrolla la historia de una pareja donde ella es un ser no dispuesto a claudicar que encuentra en él alguien que está dispuesto a  rehabilitarse. Kaurismaki es lo suficientemente inteligente para dejar abierta una puerta creíble que deje paso al menos a la ilusión de que su protagonista puede tener rescate.

Armada como un pequeño rompecabezas, cuadro tras cuadro, la obra adquiere continuidad y el director finlandés sale airoso creando escena por escena, y movimiento tras movimiento, utilizando inteligentemente primeros planos que exigen toda una actuación de sus dos actores principales, apoyado en excelentes diálogos.

La película atrapa no solo por la inmensa actuación de sus dos actores principales (Aisea Poysti y Jussi Vatanen), sino también por la estupenda puesta en escena que realiza su director, quien mantiene el equilibrio de la historia de sus personajes dejando ver el marco de  pesadilla que conllevan las adiciones.

Hay pocas películas en cartel, pero sin lugar a dudas esta obra es merecedora de ver por derecho propio. Se trata de una gran realización finlandesa realizada con un profundo trabajo de montaje que se emparenta en lo  conceptual con otra película similar vista un mes atrás dirigida por la directora turca Ayse Polat, ambas construidas de la misma manera, donde un montaje minimalista genera un efecto de encierro que, en  este caso, dispara no solo una historia de amor sino una estructura de cine moderno y a la vez austero, creando una atmosfera de intimidad.

lunes, 20 de noviembre de 2023

LO QUE NO VEMOS de Ayse Polat

SIN SALIDA

El film transcurre durante la cuestión turca en el Kurdistán, región del Asia Menor, que históricamente ha sido poblada por el pueblo kurdo. Actualmente, su territorio se encuentra repartido en cuatro estados: TurquíaIrakIrán y Siria, y un pequeño enclave en Armenia.

Se trata de un film de carácter político que se concentra en una cuestión familiar, centralizando su accionar  en un punto de apoyo es una situación de encierro, paradójicamente dentro de una casa de una familia en medio del campo, acercándose al tradicional cine de terror, pero mucho más estilizado, dado que pone más énfasis en el suspenso que en el género..

El desarrollo de la trama comienza con un grupo de cineastas que están o una filmando un documental sobre aspectos de aquella zona, pero rápidamente, el film se transforma en una obra de carácter intimista donde la situación política y sobretodo la situación de miedo que genera, por la incertidumbre sobre lo que puede pasar, dominada tanto por la situación familiar como por  la incertidumbre tanto en lo político como en lo social.

Melek, una niña turca de 7 años, es hija de Zafer, un hombre joven que milita en una agrupación de carácter terrorista que lo coloca en una difícil encrucijada. El hombre se verá obligado a optar entre su pertenencia a la organización política  o su familia.

Consecuencia de ello, el film se transforma en una especie de obra de terror sofisticada, con una puesta moderna, donde prevalece el encierro, el de toda una familia en una situación límite, que necesita salvar sus vidas.

Dicho encierro lleva al film a un desarrollo de tipo intimista que el director maneja magistralmente desde la sala de montaje, cortando pieza por pieza, armando un rompecabezas que da profundidad a una obra gobernada por el miedo y la represalia ante la inseguridad que presenta la situación. El miedo lleva al encierro, y el encierro conduce a la alucinación y el terror.

Filmado en un set cerrado y oscuro de pequeña dimensión, cosa que dispara lo claustrofóbico, el film se transforma de una épica patriótica a otro género muy distinto, el de terror. La familia queda sola y aislada de sus vecinos, y solo ellos sabrán cómo salir de la situación.

El film resulta una de las mayores sorpresas de la temporada cinematográfica, generando, si bien un cine de género, por otro lado con una temática muy actual e interesante, pero sobre todo, con una puesta en escena que destaca especialmente por el equilibrio logrado en la sala de montaje, lo cual transforma a la película en una pequeña obra maestra de terror, aunque el terror no este en el acoso personal sino en la situación político y social a la que alude pero nunca muestra.