sábado, 23 de julio de 2016

BAJO EL SOL (ZVIZDAN) de Dalivor Matanic


AL CALOR DE LOS BALCANES

"Bajo el Sol", la estupenda película del croata Dalivor Matanic está regida por la pasión en su estado más puro. Lo temperamental rige todas las acciones. Todo es pasional. Una pasión que arrastra a los personajes sin dejar lugar a la razón ni a la reflexión ni a la prudencia. Es como si los protagonistas de estas tres historias hubieran sido abrazados por un fuego destructivo que lo arrasa todo (el propio fuego de las guerras que desatan) y no les permite siquiera la reconstrucción de sí mismos.

Matanic estructura su film en 3 relatos que llevan cada uno el nombre de tres parejas. Como si cada uno de ellos fuera una historia de amor. Un amor que nunca será consumado como tal sino por el contrario, destruido por las consecuencias de las sucesivas guerras ocurridas durante los ´90 en los Balcanes con posterioridad a la caída del Muro de Berlín y que se desatan a partir de la decisión del Presidente de la ex Yugoslavia, Slobodan Milosevic, del abolir la autonomía de Kosovo, generando un conflicto entre Serbios y Croatas primero, luego extendido al resto de las ex republicas balcánicas, originando la desintegración politica de la ex Yugoslavia.

Los tres guiones de Matanic sitúan la acción en líneas fronterizas, donde la distinción entre unos y otros es casi imposible, aunque paradójicamente suelen tener identidades propias muy bien definidas, tanto étnicas como religiosas. Se trata de guerras civiles, fratricidas, es decir, entre hermanos. Tal vez, las más crueles. Ello le brinda a Matanic un material en crudo de alto poder dramático, el cual no desaprovecha

El film son tres historias de amor divididas en tres episodios. Los episodios ocurren en tres momentos diferentes. El primero, en 1991, cuando comienzan las guerras, donde es el odio el que genera un asesinato innecesario en la frontera y que deja trunca una historia de amor. El segundo, en 2001, cuando la guerra termina, será el rencor el que no permite desarrollar al amor más allá de un acto sexual desesperado, que lejos de unir separa aún más la insostenible relación de la pareja. El tercero, en 2011 cuando la paz ha llegado y las repúblicas han llegado a una convivencia que las ha acercado al ruido y al estilo de occidente, pero en las que aún permanecen intactos algunos viejos rencores. Es el relato de un regreso, de un retorno a la casa en busca de un perdón que no necesariamente será otorgado. Las tres historias transcurren en un medio rural, donde, claramente, no son los individuos solamente las víctimas, sino y sobre todo, las familias. La mirada de Matanic está puesta en ello, en la desaparición de un miembro, en la irresponsabilidad de la juventud, en lo costoso de la reparación material, en el sufrimiento de la ausencia, en el resentimiento remanente, en las heridas irreparables que ha dejado la guerra.

Duro film sobre la precariedad de los sentimientos y de los grandes resentimientos. Matanic maneja su material en forma maestra. Para nosotros, desconocido, sin embargo es un director experimentado que ya tiene 9 largometrajes en su haber. Esta experiencia se nota en éste, su último film, estrenado esta semana en la Argentina y que ganó el mayor premio de la Sección Un Certain Regard en Cannes 2015. Muy bien estructurados desde el guión, Matanic trabaja tensando y aflojando las situaciones hasta que las mismas terminan estallando por sí mismas con gran naturalidad. Su relato es parco, directo, conciso. Despojado de todo tipo de acartonamiento. Alejado del lugar común, nada complaciente. Para ello se acompaña de un grupo actoral excelente en el que descuellan las Tihana Lazovic, Goran Markovic y Nives Ivankovic, que lo apoyan en cada uno de los tres actos de este film. Asimismo, son impecables los rubros técnicos, tanto la fotografía como la música incidental de la pelicula.

viernes, 15 de julio de 2016

EN UN LUGAR DE FRANCIA de Thomas Lilti


UN MEDICO DE CAMPO

El cine francés siempre se caracterizó por su mirada humanista. Directores como Jean Renoir, Jacques Tati, Eric Rohmer, Francois Truffaut, Laurent Cantet han contribuido a esa mirada en distintas épocas. Ahora nos llega Thomas Lilti con esta delicada tragicomedia que abreva en el humanismo de los autores citados.

Los personajes  centrales del film son dos: El doctor Jean-Pierre Werner y la doctora Nathalie Delezia, una joven médica que llega al pueblo para hacer una residencia como medica de campaña bajo la tutela del Dr. Werner. El film se concentra  en las penurias de los médicos de campaña, pero más aún, en la falta de cuidado y de asistencia sanitaria que existe en el interior de las provincias, donde los servicios hospitalarios son claramente deficitarios y prácticamente se concentran en atender partos y urgencias. La mirada del film radica en mostrar la dedicación full time que tiene un medico como el Dr. Werner, un medico de ficción pero sumamente representativo de un estado de cosas que reclaman una mayor atención de las autoridades, tanto las municipales a la cuales denuncia, sino también de provinciales y nacionales. El Doctor Werner es un medico que no solo ve al enfermo sino a la persona, y su pequeña lucha y atención médica es sobre todo para darle una contención, una especie de servicio personalizado cuyo fin es el respeto a la dignidad del enfermo.

Thomas Lilti es un joven autor y director francés que tiene 3 films en su haber, el último de los cuales es que aquí comentamos. Anteriormente había realizado "Le Yeux Bándes" en 2007, e "Hipócrates" en 2014, donde ya manifestaba su interés por la medicina y la ética médica. Su mirada abreva en el cine de ficción documentalista, el cual mantiene permanentemente un nivel de observación de la realidad que genera una fuerte corriente de veracidad en su película.


Magníficamente interpretado por Francois Cluzet y Marianne Denicourt, con una banda sonora siempre de carácter incidental donde suenan temas como "Wild is the Wind" cantado por Nina Simone cuando comienzan a caer los títulos finales, otorgan al film un clima intimista que ayudan a afianzar un mensaje, un reclamo de carácter humanista que no debemos dejar de escuchar. 

VIAJO SOLA de María Sole Tognazzi


RETRATO DE UNA MUJER SOLA

Es la historia de una soledad vestida de comedia. Irene. el personaje que le va de medida a la estupenda Margherita Buy, es una mujer de nos 40 años que trabaja de Mistery Shopper, una especie de auditor encubierto de servicios de calidad. En este casos, los servicios son hoteleros, en consecuencia, Irene se la pasa viajando prácticamente por todo el mundo y de hotel en hotel, en los cuales se aloja y califica los servicios recibidos.

En ese devenir casi eterno en que se mueve Irene, la propia casa, el amigobio, la hermana, el cuñado y los sobrinos, son prácticamente accidentes en su vida, a los cuales le cuesta entender y sobre todo, atender. Pero la soledad en Irene no es una casualidad producto de su trabajo, sino más bien su forma de ser. Ella es una perfeccionista. Ello forma parte de su personalidad, una cualidad o un defecto que la define como persona, y que en definitiva, lo aplica en todos los aspectos de su vida, lo cual estrecha su posibilidad de goce. Porque Irene es una persona que vive para señalar el error ajeno. Y esa condición, le genera conflictos y estresa su vida, toda vez que vive exigiéndose de la misma manera que exige a los demás.

María Sole Tognazzi, guionista junto con Iván Cotroneo y Francesca Marciano, y también directora del film es hija de unos de los máximos capo cómicos del cine italiano. Estamos hablando del gran Ugo Tognazzi. De él, ha heredado el sentido de comedia de la vida y lo ha aplicado extraordinariamente en este film menor, pero exquisitamente realizado, que es "Viajo Sola". Romana, de 45 años, tiene 4 filmes en su haber y este es su tercer largometraje. En él demuestra un fino gusto por la comedia, un gran respeto estético por la imagen, una profundidad y madurez narrativa poco habitual en una realizadora con una filmografía tan corta.

Lo cierto es que a su lado, brilla Margherita Buy, la extraordinaria actriz italiana que supo ser la monjita de "Fuera del Mundo" (1999), la Antonia de "El Hada Ignorante" (2001) y la Margherita de "Mia Madre" (2015), entre otras. En Viajo Sola da vida a Irene con esa capacidad actoral, esa versatilidad que le permite moverse sin tropiezos del drama a la comedia, creando un personaje no solo creíble sino que parece hecho a su medida.

En síntesis, "Viajo Sola" es una estupenda comedia italiana que nos permite pasar un momento entretenido, y un film interesante a la vez de descubrir una excelente directora (María Sole Tognazzi) y disfrutar de un capo laboro de la gran Margherita Buy.

viernes, 8 de julio de 2016

FLORENCE de Stephen Frears


TOLERANCIA Y CAMBIO

Florence puede verse desde diferentes ángulos. Básicamente, es una comedia. También podría verse como una parodia o como una ópera bufa. Como consecuencia de ello, nos damos cuenta que no importa tanto la forma, sino el qué de lo que trata. Y ese tema que trata lo maneja de manera sutil, casi esbozada.

Florence es la peor cantante lirica de la historia. Pero eso es solo una opinión. De quién, no importa. Lo que importa es su vida. Criada en una familia acomodada de los Estados Unidos, Florence Foster Jenkins nace en 1868 y muere en 1945. Desde niña estudia piano y canto, y nunca logra sobresalir en lo suyo. Pero heredera de una fortuna importante, sobre todo después de enviudar del Dr. en Medicina Frank Jenkins, se radica en Filadelfia donde crea el Club Verdi. Eso le abre paso en la Alta Sociedad del Este y le permite darse sus gustos personales y transformarse en cantante. Esa trayectoria, en la película,  no solo describe la vida de una mujer sino también los cambios de un siglo a otro, y que además, tienen lugar en los Estados Unidos de América.

Lo que hace interesante a Florence es justamente eso, el cambio en las costumbre vista por la mirada de un inglés (Frears) en otro país, los Estados Unidos, cambios que por otra parte, contagiarán rápidamente a Inglaterra, y luego al resto del mundo. Será el comienzo del  fin de la época victoriana y el inicio  de una desestructuración de la vida social en la cual se comienzan a minar los pilares de sustentación de aquélla sociedad.

Es el fin de los prejuicios, sobre todo, de los de clase. Si la época victoriana se caracterizaba por una moral rígida basada en valores que englobaban una fuerte represión sexual, una baja tolerancia al delito y un estricta conducta social, las primera guerra mundial comienza a limar esos principios y la segunda guerra los destruye. En ello, caen incluso, cuestiones de orden estético.
Es allí donde comenzamos a preguntarnos el porqué de la peor cantante, y comenzamos a entender el porqué de su éxito. Porque al relajarse las costumbres (Florence incluso vivió el resto de su vida en concubinato con un actor inglés) y los estándares estéticos, ya nade puede hablar de mejor o peor, o emitir juicio alguno sobre la forma de vida de nadie. Comienza a aceptarse el "ser diferente", o sea, aquello que es de modo distinto.

En lo estético, ya no cabe lo ridículo, la incongruencia o la desproporción que implica la respuesta a un modelo determinado. El objeto no puede dar lugar ni a la burla ni a la risa. Entre otras cosas, aparece el cubismo, el rayoismo y el surrealismo. Las cosas no son necesariamente como se ven sino que pueden verse de manera diferente. Tienden a desaparecer los estereotipos. Representar a alguien como un estereotipo, manifiesta desprecio u hostilidad para con su grupo de pertenencia, cuestión que se relaciona con los prejuicio.  En consecuencia, estamos ante una época de cambio que retrata el fin de los prejuicios y la discriminación.

Contada con un ritmo muy ágil, el director Stephen Frears luce toda su experiencia y sale adelante con un tema difícil. El film luce un delicado equilibrio narrativo y entretiene durante todo su metraje.   Frears es un inglés que dirige tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos, y en ambos lado del Atlántico ha logrado películas recordables. Alguna de ellas, incluso, alcanzaron considerable éxito de taquilla. Frears dirigió de películas tales como "Las Relaciones Peligrosas" (1988), "High Fidelity" (2000), "La Reina"(2006), y "Philomena" (2013), pasando por películas más personales como "My Beatifull Laundry" (1985), "Prick Up Your Years" (1987) o "Dirty Pretty Things" (2002). Sin lugar a dudas un artesano de alta calidad que ha dirigido estrellas tales como Glenn Close, Julia Roberts, John Cusack, Jack Black, Hellen Mirren,  Audrey Tautou y Judi Dench, es decir,  un gran director de actrices.

En este caso vuelve a dirigir a otra gran actriz que es un valuarte incuestionable de la película. Gran parte de ella descansa en la soberbia actuación de Meryl Streep, muy bien acompañada por el inglés Hugh Grant y el americano Simon Helberg. Obviamente, los meritos no son solo del director y los actores. El film cuenta con un sólido guión de Nicholas Martin, un guionista proveniente de la televisión inglesa, como asi también por un acompañamiento musical descollante de la mano del francés Alexander Desplat, 8 veces nominado al Oscar y ganador de uno por la banda sonora de "Gran Hotel Budapest".


En síntesis, el film es una sutil reflexión sobre el paso del tiempo, los cambios de hábitos, y sobre todo, la aceptación de nuevos estándares. Una comedia muy agradable que no solo permite pasar un momento divertido y disfrutar de una gran actuación de la Streep,  sino también reflexionar sobre el paso del tiempo, el cambio de costumbres y valores. Una comedia sobre la aceptación y la necesidad de tolerancia. El comienzo del fin de la discriminación.

sábado, 2 de julio de 2016

JULIETA de Pedro Almodóvar


TU AUSENCIA LLENA MI VIDA Y LA DESRUYE

Ha vuelto Pedro Almodóvar con una gran película: "Julieta", la cual está basada en tres cuentos ("Destino", "Pronto" y "Silencio"), de la escritora canadiense Alice Munro, ganadora en 2013 del Premio Nobel de Literatura. No obstante ello, la película no resulta  una adaptación fiel de los textos, sino una versión libre de los mismos inspirada en el personaje principal (Julieta), al que deja volar libremente hasta transformarlo en la protagonista  de su película.

 Para Almodóvar,  un drama. Para mí,  un típico "melodrama almodovariano", lo cierto es que "Julieta" es una de sus mejores películas. Realizada con inspiración y rigor técnico," Julieta" se impone por su clasicismo formal. Partiendo de una crisis individual de su protagonista, el film se transforma en la escritura cinematográfica de una carta de Julieta a su hija Antía que es un "racconto" de ida y vuelta de la historia de su vida tratando de encontrar el porqué su hija la ha abandonado. Usando tanto la elipsis como la narración en off, comienza a construir a Julieta en un departamento del centro de Madrid para introducirla rápidamente en un tren nocturno, un lugar metafórico donde Julieta entrará en contacto con los dos extremos de la existencia humana: la vida y la muerte, y el amor como condición necesaria para una continuidad infinita.

En Julieta predomina lo dual. Ninguno de los personajes está solo. Siempre tienen alguien a su lado y ese alguien está jugando un papel determinante. Esto da lugar a una generación de triángulos,  donde obviamente Julieta es el vértice superior . En consecuencia se dan una multiplicidad de relaciones triangulares donde se generan desde apoyos mutuos hasta la búsqueda de salida a celos enfermizos que solo encuentran incomprensión y desamparo. De esta manera se generan relaciones que tienden a generar  sospechas y dualidades. Es entonces donde en este gran film de Almodóvar aparece  la sombra de otro gran maestro: Alfred  Hitchcock. Porque inesperadamente, la obra se encamina a través del suspenso y del misterio. El enigma de la desaparición de Antía remite tanto a "La Sombra de una Duda", como a "Vértigo".  A La Sombra de una Duda" porque Julieta como madre, se vuelve sospechosa, y comenzamos a dudar de ella. De Vértigo, porque el predominio de la dualidades es permanente y Antía desaparece como en " Vértigo" desaparecía Kim Novack. Los personajes se transforman con el paso del tiempo. Incluso, Julieta, es interpretada por dos actrices diferentes según la acción transcurra en el pasado o en el presente.

"El tiempo pasa, y el piso continúa tan desnudo como lo vi la primera vez". Almodóvar, a pesar de haber creado un mundo cinematográficamente propio,  nunca ha sido ajeno a la pintura ni a la crítica social. Lo que ocurre en el mundo Almodóvar no es otra cosa que lo que ocurre en el mundo real, solo que lo vemos deformado por el prisma a traves del cual lo vemos. "Julieta" tampoco es una excepción a ésto. Y en esa colmena de relaciones que pinta, el maestro está apuntando la disfuncionalidad familiar. Las relaciones familiares afectadas por los cambios económicos y sociales de la vida moderna. Tampoco es casual que la acción actual transcurra en Madrid mientras que el viaje hacia el pasado se interne en la España más lejana de la costa gallega, pueblos manchegos y los Pirineos de Aragón.

"Tu ausencia llena mi vida y la destruye" es la frase con que Almodóvar expresa a Julieta para describir todo el dolor de su perdida. El guión y las palabras no son el único acierto en el film. La música es otro valuarte que apuntala la acción y las atmosferas que pinta el director. Para ello, lo acompaña ese gran músico español que es Alfredo Iglesias  que subraya momentos, espacios vacios, estados anímico y acompaña al maestro en su detallista descripción de situaciones y personajes. La banda sonora de Iglesias es también una de las mejores de las muchas que ha realizado en su vida.

Con una ambientación muy cuidada y una prolija escritura cinematográfica, de la cual es responsable el fotógrafo francés Jean Claude Larrieu, el nuevo filme de Almodóvar se llena de blancos, rojos y azules. La puesta en escena del maestro es austera, el arte decorativo impera en pequeñas estatuillas que llaman la atención y adquieren significación sin ocupar grandes espacios.


Por último, la excelencia de la actuación. Julieta se desdobla en  la Julieta actual: Emma Suarez, y en la Julieta de su juventud, Adriana Ugarte. Ambas están excelentes. Los prodigios de Almodóvar para con ellas llegan a un lavado de cabeza que envuelve en una toalla a la Ugarte y en la desenvoltura aparece la Suarez. Una escena donde la dualidad se hace presente y que habla de la excelencia expresiva del maestro español. Pasado y presente se entrelazan marcando una continuidad de tiempo y espacio donde no somos otra cosa que responsables de nosotros mismos. Insisto, un gran film de Almodóvar. Uno de los mejores de una larga carrera cinematográfica que ya abarca 20 títulos en casi 36 años.