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ABBAS KIAROSTAMI (1940-2016)


Lider indiscutido de la nueva ola del cine iraní, poeta, pintor, fotógrafo, había explorado nuevas vías para el cine contemporáneo, abriéndolo a otras geografías físicas y humanas, además de teñirlo de humanismo y de voluntad documental.

Nacido en Teherán en 1940, a los 29 años, empezó a trabajar para el Kanun, un centro para el desarrollo intelectual para los niños, donde rodó películas educativas destinadas a los jóvenes. En ese marco realizó su primer cortometraje, El pan y la calle, con influencias del neorrealismo italiano, que basó en experiencias de su juventud.

Le siguieron largos como Gozaresh (1977) y Párvulos (1984). El reconocimiento internacional le llegó con ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987), que inauguró la llamada trilogía Koker, y al que siguieron Close Up(1990), La vida continúa (1992) y A través de los olivos(1994). Su consagración llego con El Sabor de la Cereza (1997), que ganó la Palma de Oro en Cannes.

Su cine se caracterizó por una marcada poesía visual, acompañada de un estilo semidocumental que admirba en De Sica y en Rohmer, pero también cercana al cine de Jacques Tati. A partir de historias corrientes, Kiarostami abordó las grandes cuestiones de la existencia, casi siempre a partir de la alegoría. Sus películas están pobladas de carreteras y vehículos, que circulan a través de paisajes tan áridos como espectaculares.

Cuando se le preguntaba por qué no abandonaba su país y se instalaba en Europa, Kiarostami solía responder con una de sus metáforas: Un hombre en el exilio es igual que un árbol trasplantado: logrará sobrevivir en su nuevo hábitat, pero sus frutos no serán los mismos. Por ese motivo, tras la revolución iraní de 1979, mientras la intelectualidad de su país se exiliaba, Kiarostami decidió quedarse. "Los cineastas iraníes siempre encuentran una solución para la censura”. “Si fuera tan difícil hacer una película, el cine iraní no habría producido cien películas el año pasado y sesenta más el anterior”. Pero la censura le terminó haciendo la vida imposible, y decidió irse a filmar al exterior. Se fue a Italia, a la Toscana para rodar Copia certificada (2010) sobre la crisis de una pareja madura, por la que Juliette Binoche ganó el premio a la mejor actriz en Cannes. Y después, a Japón, donde rodó Like Someone in Love (2012), crónica del encuentro fortuito entre tres personajes en el Tokio de hoy, que ha sido su testamento cinematográfico. 

Murió en París el 4 de Julio de 2016.

FALLECIÓ ETTORE SCOLA  (1931-2016)


Un grande entre los grandes del cine italiano e internacional. Una personalidad única y tal vez el último de su generación. Periodista en la revista humorística Marc'Aurelio. Guionista en los años '50 junto a los famosos Age e Scarpelli, padres de la comedia a la italiana. Fue colaborador de Federico Fellini. A mediados de los 60 pasó a estar detrás de las cámaras. Dirigió a Vittorio Gassman, a Nino Manfredi, a Marcello Mastroianni, a Hugo Tognazzi y a Alberto Sordi. Su cine reflejo la gran frustración de la izquierda italiana ante una sociedad que olvidó rápidamente las penurias sufridas durante la guerra y se dedicó a un desarrollo fatuo confundido  en un devenir inconducente con la democracia cristiana. Su cine fue el cine de la gran decepción. Nos regaló varias joyas inolvidables. En 1974, "Nos habíamos amado tanto", obra maestra que recorre tres décadas de historia italiana de posguerra contando la vida de tres amigos, Gassman, Manfredi y Satta Flores, enamorados de una misma Stefania Sandrelli. Ganó varios festivales: Berlín con "El Baile". Cannes con "La Terraza" y "Feos, Sucios y Malos" y Venecia con "¿Qué Hora Es?". En 1977 consiguió su mayor éxito con "Un Día Muy Particular", un clásico con la Loren y Mastroianni que también llegó al teatro. También realizó "La Familia" en 1987, "La Cena" en 1998 y finalizó su carrera con 2 documentales inolvidables, tributos a su ciudad más querida: "Gente di Roma" en 2003, y a su amigo de siempre, el gran Federico Fellini en "Qué extraño llamarse Federico" en 2013. Un verdadero padre del cine. Lo he querido y admirado mucho. Me quedan sus películas .

MANHATTAN de Woody Allen


ALLEN EN SU MAYOR ESPLENDOR

Después del esplendor de los años 40 y 50, el cine americano cae un profundo bache creativo que no logra superar la psicodelia de los 60. En los 70, comienza una transición de la mano de algunos veteranos de prolífica carrera y otros nuevos directores cultores de una profunda cinefilia.
Cumbre de esa transición del cine americano, a fines de los 70, es "Manhattan" de Woody Allen, que no es solo un homenaje a una gran ciudad, sino también la historia de un amor imposible que no puede negar influencias del Gran Federico, el de 8 y 1/2, en ese escritor que no sabe como comenzar la historia mientras destruye boceto tras boceto de un "Opening" que terminará siendo uno de los más grandes de la historia del cine.
Imágenes y sonido en su máxima expresión, la maravillosa Rapsodia en Azul de George Gershwin por la Philarmónica de Nueva York dirigida por Zubín Metha, la magnifica fotografia Gordon Willis, la pluma inspirada de Allen acompañado de Marshall Brickman, y unos actores inolvidables. Veamos ese Opening. Arriba el telón. El cine de los 70 esta brillando. 9 de diciembre de 2012

NOS HABÍAMOS AMADO TANTO de Ettore Scola

REGRESO AL CINE ITALIANO

Volví a ver "nos Habíamos Amado Tanto" de Ettore Scola, su primera gran película sobre la decepción de la bonanza de la posguerra, y explícito homenaje al cine de De Sica y Fellini. La puesta de Scola  es extraordinaria. Utiliza tanto recursos teatrales como cinematográficos (foto en blanco y negro y en color)  como musicales (Armando Trovaioli y su inolvidable múisca)  y contando con 4 de los más grandes actores italianos de todas las épocas (Gassman, Manfredi, Satta Flores y Steffanía Sandrelli), de la cual, obviamente, se enamoran todos, dando clase de actuación. La recreación de la famosa escena de la Fontana di Trevi en la "Dolce Vitta" del gran Federico es una pequeña película dentro de la película. 23 de octubre de 2013


LO QUE NO EXPRESAN LAS PALABRAS

 SCHLESINGER Y MIDNIGHT COWBOY

 John Schlesinger formó parte del "Free Cinema Ingles" , un movimiento cinematográfico que se desarrolló durante unos 10 años entre mediados de los ´50 y ´60. Este cine abrevó en el "Neorrealismo" italiano y sobretodo en la "Novelle Vagué" francesa, tomando de los primeros el carácter documentalista y de los segundos el cuidado de la puesta en escena. No obstante ello, el Free Cinema se destacó por tratar básicamente los problemas de la clase obrera y el conflicto de clases existente en el Reino Unido.

 Participaron de este movimiento directores de la talla de Tony Richardson (Sabor a Miel; Recordando con Ira; La Soledad del Corredor de Fondo); Karel Reisz (Sábado Noche, Domingo Mañana); Lindsay Anderson (El Llanto del Ídolo). Por su parte, Schlesinger contribuyó al movimiento con películas tales como "Billy Lear" ; "Esa Clase de Amor"; y "Darling" (lanzando a la fama a Julie Christie). Más tarde accedería al cine de grandes presupuestos y basándose en Thomas Hardy llevaría al cine su novela "Lejos del Mundanal Ruido".

 Este trabajo le abrió las puertas del cine americano, al cual le dejó algunas películas importantes ("El Día de la Langosta", "Maratón de la Muerte"; "Yankees"), y la que yo considero su obra maestra: "Midnight Cowboy" (1969), tal vez la crítica más importante realizada durante la guerra fría al capitalismo americano, un film a la altura de la magistral obra de Elía Kazán "Nido de Ratas" realizada en 1954.

 Cowboy de Medianoche, como se la llamó en Argentina, narra la historia de Joe Buck, un vaquero que llega para conquistar Nueva York, creyéndose capaz de hacer fortuna prestando servicios sexuales a mujeres solas, y de Ritzo Razzo, un vagabundo de la Gran Ciudad cuyo sueño es juntar algún dinero para darse la gran vida en Miami.

 Historia de perdedores, desamparados y solitarios, Midnight Cowboy es la mirada despiadada y pesimista de un humanista cuyos personajes solo verán reflejados sus sueños a través del vidrio de una ventanilla, que saben que el golpe de suerte es efímero, y está más relacionado con el milagro que con el esfuerzo. Rizzo caerá enfermo y Joe juntará sus últimas monedas para llevarlo a cumplir su sueño.

 La escena adjunta es el final de la película, la conclusión de ese largo y amargo peregrinaje hacia la nada de una sociedad absorta en el consumismo, la vanidad, la falta de solidaridad y la indiferencia hacia el otro. 8 de agosto de 2013

CINE: DONDE SOBRAN MIS PALABRAS

DE SICA E "I GIRASOLI"

Vittorio De Sica fue un famoso actor italiano y como director, uno de los padres del neorrealismo. El neorrealismo, como la propia denominación lo sugiere, es un cine cuyo objetivo fue político y estético. En lo político, esencialmente radiografió la dura realidad de la posguerra y la reconstrucción de italia después del fascismo. En lo estético, se valió del documentalismo como forma narrativa. Este movimiento le debe a De Sica cuatro obras claves del mismo, aquellas sin las cuales, el neorrealismo no sería hoy lo que es. Estoy hablando de "Lustrabotas" (1946), "Ladrones de Bicicletas" (1948); Milagro en Milán (1951) y Umberto D (1952).
No obstante ello, De Sica tuvo un par de películas magistrales en los 70. Una de ellas fue "El Jardín de los Finzi- Contini" (1970), sobre la persecución de la clase alta judía durante el fascismo. Otra es "Los Girasoles de Rusia", una enorme historia de amor que transcurre durante la segunda guerra mundial que narra la vida de un joven soldado italiano que debe abandonar a su esposa para cumplir con sus obligaciones militares en el frente ruso. Acabada la guerra, allí conocerá a una joven rusa de la cual se enamora y tiene una hija con ella.
La escena que pueden ver a continuación, cine en su más clara esencia, donde todas la palabras sobran y la imagen se expresa por si misma, nos relata el momento en que Sofía Loren encuentra en un lejano pueblo ruso a su marido (Marcello Matroianni), y entiende que todo ha terminado. De Sica en su más pura estilo.
https://www.youtube.com/watch?v=uouhQ61XWyA . 7 de agosto de 2013

"1943-1997" de Ettore Scola

Cada artista se expresa de una manera diferente. Así como hay genios de la pintura, la escultura o la literatura, hay algunos nuevos genios de un arte mucho más moderno que apenas ha cumplido los 100 años.

Les pido sólo 8 minutos de su tiempo para ver esta maravilla que realizó Ettore Scola, el gran director italiano de "Nos Habíamos Amado Tanto", de "El Baile" y de "Un Día Particular" con motivo del Día de la Memoria en Italia. Lo suyo no solo trae los recuerdos aciagos del fascismo y la ocupación del nazismo, sino que también revisita la historia más reciente del cine italiano de pos guerra, aquel donde la mirada humanista prevalece sobre la visión ideológica. Ettore, hoy con más de 80, es uno de los grandes directores que expresaron la decepción del socialismo italiano. Aquí, reivindica la fuerza del cine como memoria viva.

https://www.youtube.com/watch?v=ks8gqngvF_A. 31 de julio de 2013

EL ACORAZADO POTEMKIM de Sergei Eisenstein

Película clave en la historia del cine, una de aquellas que marcan un antes y un después. Verla hoy sigue siendo uno de los mayores  placeres que procura el cine. El interés de su temática, la maestría de su narración, la utilización del montaje que la transforma en hito del cine moderno, el manejo del suspenso que después perfeccionaría el maestro Hitchcock. Estamos hablando de "El Acorazado Potemkin", 1927, del maestro Sergei Eisenstein.

Tal día como hoy, de 1905, tuvo lugar la rebelión la tripulación del acorazado Potemkin. Potemkin era el nombre de un barco de la armada imperial rusa, de la flota del mar Negro, en el que estalló, tal día como hoy, un motín a causa de la mala alimentación y las terribles condiciones de vida que se veían obligados a soportar. Los marineros, dirigidos per Matjus...ěnko y después de haber matado a algunos oficiales, llegaron al puerto de Odessa la noche del 27 al 28 de junio de 1905, donde los obreros estaban en huelga. Estos propusieron a la tripulación que se apoderase de Sebastopol. Los amotinados no consiguieron que se les uniera toda la flota del mar Negro y terminaron por rendirse a las autoridades rumanas (8 de julio). Siete de los marineros fueron ejecutados como cabecillas del levantamiento y otros 56 fueron sentenciados a diversas penas de prisión. Unos seis centenares de tripulantes del Potemkin permanecieron en Rumanía en 1905, mezclándose con la población local. Entre ellos se encontraba su líder, Afanasy Matiushenko. Junto con cuatro compañeros volvió a Rusia con la promesa de una amnistía en 1907, pero fue arrestado y colgado. Otro de los cabecillas, Joseph Dýmchenko, huyó de Rumanía en 1908 con otros 31 marineros, estableciéndose todos ellos en Argentina. Al menos un marinero, Iván Beshov, logró llegar a Irlanda vía Turquía y Londres (donde según se afirma conoció a Lenin). Murió el 25 de octubre de 1987, a los 102 años de edad.
El recuerdo del levantamiento tuvo una significativa influencia en el proceso revolucionario del ejército y la flota rusos en 1917. El episodio fue llevado al cine por S. M. Eisenstein en 1925 (El acorazado Potemkin), una obra maestra del cine. 28 de junio de 2013

PLAY MISTY FOR ME - Clint Eastwood

En 1971 Clint Eastwood debutaba en la dirección cinematográfica, después de haberse consagrado como uno de los actores más taquilleros de la industria cinematográfica en los "spaghetti westerns". Esa nueva incursión era un thriller, "Play Misty for Me", donde Clint hacia de un disc jockey radial en horario nocturno que era acosado por una radioescucha, que le pedía reiteradamente "Misty" del gran pianista Errol Garner. En aquella época la peli paso de largo como una extravagancia del gran Clint, pero sin lugar a dudas, reviéndola ahora, fue una de esas películas que dieron el primer paso hacia el moderno cine americano después de la escasez de los ´60. Ahora, re encontré Misty en la voz de mi preferida Ella. Escuchémosla que vale la pena. 20 de mayo de 2013

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